CLIFFORD BROWN - The Complete Blue Note and Pacific Jazz Recordings

Impecable revisión en un “Box-Set” de 4 discos que contiene todas las sesiones de Clifford Brown entre 1953 y mediados del 54’ para Blue Note Records y Pacific Jazz Records.

Estas grabaciones representan la primera etapa de la corta carrera del trompetista. Clifford Brown, o simplemente “Brownie” para el mundo del Jazz, moriría en un accidente automovilístico a la edad de 25 años, en su mejor momento.

El CD 1 incluye las sesiones de Agosto de 1953 para Blue Note (#1-9). Junto a Brownie, Gigi Gryce, Charlie Rouse, John Lewis, Percy Heath y Art Blakey.
El resto corresponde a tomas que realizó como sideman del pianista Elmo Hope en Junio de ese mismo año. Lou Donaldson es su “partener” en los vientos.

El CD 2 es un verdadero coctel de estrellas del Jazz. Los primeros 9 tracks, con tomas alternativas incluidas, fueron grabadas en Junio del 53’ junto a J.J Johnson (el mejor trombón de todos los tiempos), John Lewis, Percy Heath y Kenny Clarke … futuras tres cuartas partes del Modern Jazz Quartet.
El resto de las tomas corresponden a su paso por Pacific Jazz Records junto a un septeto que incluía a Russ Freeman, Zoot Sims y toda la tropa de la costa Oeste (1954).

El CD 3 es una nueva joya del Hard Bop editada en infinidad de ocasiones a nombre de Art Blakey. Es que justamente se trata de una sesión en vivo de Febrero del 54’ en el Club Birdland. Esa noche se gestó el embrión de la máxima escuela de Hard Bop que vería la historia del Jazz, los Jazz Messengers de Art Blakey nada menos.
Clifford, Lou Donaldson, Horace Silver, Curly Russell y Blakey. Shapeau!!!!.

El CD 4 es una continuación de la misma sesión en el “Birdland”. Pueden oírse algunas perlitas de Parker, Horace Silver y Donaldson que hoy son standards del género.

Obligado para amantes de Jazz, al igual que su etapa posterior junto a Max Roach en EmarCy. La trompeta más brillante de los 50’s, imperdible!.

BILL EVANS - You Must Believe in Spring

En Agosto de 1977, y después de una vida llena de excesos, adicciones y más de 25 años en la consideración más elevada y elitista del mundo del Jazz, Bill Evans entraría a los estudios Capitol en Hollywood con 2 músicos hechos a su exacta medida. Eddie Gomez en contrabajo y Eliot Zigmund en bateria.

A mi entender, el mejor trío que armó Evans desde aquel famoso con Scott LaFaro y Paul Motian de principios de los 60's. Con este inventó una nueva forma de tocar los standards y constituyó una escuela estilística a la que muy pocos pudieron resistirse a imitar. El pianista se transformó en el referente más importante del piano por más de una larga década.

La comunicación en You Must Believe in Spring es tan perfecta entre los 3 miembros del grupo, que la perfección parece natural e intuitiva y da la sensación de estar presenciando un milagro de la creación.
Sutileza en estado puro, tiempos rubateados, crescendos, diminuendos, tiempos medios y lentos, todo en perfecto equilibrio y con un buen gusto que excede la excelencia.

Su música te remite a paisajes tan volados y surrealistas como su magnífico arte de tapa. Cinco estrellas sin dudas para uno de los 5 pianistas más grandes de todos los tiempos en el Jazz.

You Must Believe in Spring, grabado a solo 3 años del final de su carrera sigue representando la magnitud de un artista único, creador de su propio estilo y generador de multitud de adoradores, como pocos han tenido.

A mi entender, el disco más exquisito y sofisticado de su carrera, una auténtica obra maestra del Jazz. Gracias Bill

ATOM™ - Liedgut

Uwe Schmidt, productor Alemán con 20 años en la escena electrónica, más de dos docenas de seudónimos y una prolífera carrera discográfica.

Transitó por todos los estilos que se desarrollaron durante los 90’s, fue un explorador ambicioso y sagaz durante toda su ignota carrera utilizando nombres como Atom Heart, Señor Coconut y Flanger entre sus más renombrados.

Como buen explorador, en el nuevo milenio a su nutrido staff de sintetizadores y samplers le incorporó la producción digital por softwares, y muchísima creatividad.

Ahora, y desde el año 2000, Atom™ es la nueva marca que engrosa su ridícula lista de seudónimos.
Liedgut, a menos de 15 días de su edición física, es una muestra más del proceso de transición donde está sumergida la música electrónica en la actualidad.

Un disco absolutamente genial y creativo, donde conviven climas y sensaciones tan ambiguas como fascinantes.

Experimental, robótico, lleno de oscilaciones de baja y alta frecuencia, clicks, tiempos y voces dilatadas y retorcidas, microsonidos y samples de todos los colores, una gran sensación de curiosidad por lo que va a venir.
Propuestas válidas de esta pieza 09’ de vanguardia electrónica.

Como no podía ser de otra manera, el disco viene con el sello de raster-noton, palabra mayor en estas cuestiones.

De esa clase de discos a los cuales los entendidos en el género pueden tildar de obra maestra, y el ocasional oyente, de ridículo e inescuchable (si cabe el término).

Ya saben, la tecnología del nuevo siglo da para todos y de todo. Vos elegís.
Amantes de la Electronica, tomad todos de el.

THE NICE - The Thoughts of Emerlist Davjack

El primer grito de Keith Emerson, su primera obra maestra de rock psicodélico fusionado con Jazz y música clásica. Un disco absolutamente vanguardista para su época, en el contexto del rock, claro.

Guiños al “Blue Rondo a la Turk” de Dave Brubeck en “Rondo”, pasajes de Dvořák, adaptaciones de arreglos de Leonard Bernstein … en fin, una mirada progresiva desde el corazón de aquel mágico “Verano del Amor”.
Rock de formas psicodélicas, pero encendiendo la llama del Progressive Rock por venir. Un disco mil veces más influyente que exitoso, y una gema de los 60’s que sirve de perfecto muestreo en la transición de los años psicodélicos y el sonido de los 70’s.

Un aplauso para Andrew Loog Oldham, forjador de la banda. No solo de los Stones se vive no?

MONO - Hymn to the Immortal Wind

Pieza maestra de Post-Rock a la vieja usanza de los 90’s. Hymn to the Immortal Wind te vuela la cabeza y estimula tus sentidos llevándote de la más “tensa” calma imaginada, hasta frenéticos pasajes sonoros donde los límites entre “noise” y “shoegaze” se hacen difusos. Inspiración en estado puro, con melodías bellas, profundas y épicas.

Dos guitarras, piano, batería, bajo y muchísimo talento son los únicos recursos que el cuarteto Japonés pone en escena. Románticos del estilo, maestros en el arte de generar climas, paisajes y pegar en el momento justo … cuando más lo necesitas.

De mis discos favoritos de 2009, aunque debo admitir que es algo extenso y se hace pesado escucharlo de un solo tirón. Podría ser más perfecto aún.

CHARLES MINGUS - Mingus Ah Um

Ocasional pianista, increíble compositor, carismático líder de banda, y mucho mejor contrabajista. Charles Mingus fue uno de esos músicos en la historia del Jazz más difíciles de encasillar. Su eclecticismo natural y su desbordante talento lo hicieron transitar por caminos diferentes y sumamente originales.

Su era dorada comenzó 10 años después que sus primeras incursiones por la gran manzana. Tocó con Armstrong, Lionel Hampton, el vibrafonísta Red Norvo, y así transcurrió los 40's, donde vio florecer la revolución Be Bop de Parker y Gillespie desde muy cerca.

Cuando todavía era un completo desconocido en el mundo del Jazz, fue parte del célebre concierto en Canada, que juntó a Parker, Gillespie, Powell y Roach.
Fundó su propio sello disquero, "Debut Records", donde editó dicho concierto y fue un activista de tiempo completo contra la discriminación racial.

A partir de 1955, comienza a dejar sus más importantes registros grabados, "Debut Records", "Candid", y sobretodo "Atlantic Records", fueron los depositarios de su primera excelente etapa.

El joven Mingus tenia una visión del jazz sumamente extravagante, con matices y guiños a diferentes estilos y una original forma de componer.
Si bien esta etapa esta alineada al Hard Bop de los 50's, sus discos no sonaban parecidos a ningún registro de la época.
Diría que junto a Thelonious Monk, fue el “bicho raro” de los 50's.

Su gran y verdadero ídolo, fue toda la vida Duke Ellington. Y quizás en este disco en cuestión Mingus Ah Um, sea donde más dejó en evidencia su admiración hacia el Duke.

Para el disco formó un septeto donde se destacan John Handy, y el monstruoso tenor Booker Ervin. El sonido de la banda trae reminiscencias muy claras a las teorías compositivas de Ellington. Los climas creados, las orquestaciones y sobretodo las sutilezas sonoras ubican esta producción de Columbia Records, entre lo mejor de su prestigiosa discografía.

Tratandose de Mingus, créanme que no es poco. Pithecanthropus Erectus, The Clown y Blues & Roots para (Atlantic), Mingus Dynasty (Columbia), Tijuana Moods para (RCA/Bluebird), y su obra magna, más cercana al Free Jazz, The Black Saint and the Sinner Lady para la casa (Impulse!)

Sutileza en estado puro para esta producción que se resume perfectamente en una de las baladas más increíblemente bellas de Mingus, y de la historia del Jazz. "Goodbye Pork Pie Hat", dedicada al celebre Lester Young que algunas semanas antes había muerto.

La real magnitud de este álbum fue opacada notoriamente porque ese mismo año, 1959, Ornette Coleman puso al Jazz de cabeza con "The Shape of Jazz to Come" inaugurando la era Free Jazz, Miles Davis las estructuras modales y John Coltrane los acertijos indescifrables de su Giant Steps.

Por suerte las sucesivas re-ediciones por parte de Columbia, colocaron a Mingus Ah Um en el selecto lugar que le corresponde, y sobretodo a nosotros, la posibilidad de tener a nuestro alcance semejante disco.

Un infaltable para los amantes del Jazz, y una pieza clave para entrar en el mundo Mingus y no apresurarse a caer de lleno en su etapa "The Black Saint and the Sinner Lady" para los menos asiduos al Jazz.

Mención especial para el disco "Mingus at Antibes", registrado en vivo unos meses después, donde de la mano de Mingus entra en la escena del Jazz uno de los genios más influyentes de los 60's, Eric Dolphy!

Un buen trago, Mingus... y a disfrutar!

FUCK BUTTONS - Tarot Sport

Una verdadera orgia sonora para cuerpo y alma. Mixtura entre las viejas lecciones de Aphex Twin con su techno inteligente, y el más cálido Noise. Lapsos con algunos paisajes industriales, cuidadas pinceladas atmosféricas, y un brillante concepto melódico poco habitual en la escena.

Fuck Buttons domesticó el brutal sonido de grupos como Converter o Somatic Responses, que llevan años explorando el Rhythmic Noise, o Power Noise. Ellos les enseñaron buenos modales, a ser líricos, a resaltar lo épico y profundo de una melodía. Configuraron una adictiva propuesta que te atrapa rápidamente, y como todos los buenos discos que se precien de serlo, te deja con ganas de más.

A este viaje al que llamaron Tarot Sport, todos están invitados, todos tienen su boleto … eso si, no le devolvemos su dinero cuando al terminar el paseo, sus oídos queden zumbando unas horas. Es parte del juego, y para los que lo queremos jugar, es puro placer.

HAVE A NICE LIFE - Deathconsciousness

A estas alturas del partido, y con semejante background de estilos explorados durante varias décadas, no es gran mérito artístico armar una banda que fusione diferentes lecturas de rock alternativo.

No es difícil pensar, y ejecutar, una propuesta donde la beta lúgubre de Joy Division, conviva junto al descarado rock industrial de los primeros Killing Joke y los pedales reverberantes de My Bloody Valentine. Técnicamente la idea suena tan predecible como una melodía de los Beatles en manos de Noel Gallagher, pero en el contexto actual del rock, no deja de ser una verdadera alternativa para oídos ya cansados de tanto mainstream.

Estos chicos no inventaron la pólvora, y no sacudirán la escena como sus influencias lo hicieron en los 80’s, pero logran conformar en Deathconsciousness un disco bien redondo, donde todo suena inspirado y sin rellenos.

Más líricos que los de Curtis, aunque conservando su impronta, más políticamente correctos que los Joke, y tan ostentosos como los Valentine, Have a Nice Life son un muestreo más de las posibilidades con las que cuentan las bandas hoy. Fusiones, fusiones y más fusiones … bienvenidos sean de todos modos, ya saben, cuando la sequía es grande, una gota es un océano.

JEFF BUCKLEY - Grace

Hace 30 años, en un club del Greenwich Village en New York, el cazatalentos más importante de la historia, John Hammond, ponía en la escena del Rock a un tal Bob Dylan. En 1990 otro, menos célebre por cierto, rescataba del mismo lugar a un joven que versionaba a Leonard Cohen, The Smiths, y paradójicamente a ese tal Bob Dylan.

Hijo del exitoso y malogrado songwriter de los 60's Tim Buckley, compositor del hoy celebrado "Starsailor" en 1970, que además de dejar su estela 30 años después en la banda homónima, hizo que toda su fama y sus ventas se esfumaran rápidamente tras abandonar el dulce folk que lo hiciera famoso y acabara siendo un desgarrado y esquizofrénico cantante. Tras “Starsailor”, Tim pasó a ser el "chofer?" de Sly Stone y su troupe.

En 1975, y tras muchos excesos de todo tipo, terminaría con su vida. El pequeño Jeff lo conoció cuando tenía 10 años, poco antes que Tim muriera, y comenzó a utilizar su apellido paterno original.

Desde muy chico mostró señales bipolares en su conducta, estas se tradujeron musicalmente en desgarradoras interpretaciones vocales que cautivaron al público y lo transformaron en el eje central de halagos de toda índole. Paul McCartney, Bob Dylan, Robert Plant y Thom Yorke, entre otras luminarias, se harían eco del talento de Jeff.

Este, su único registro en vida de estudio, basta y sobra para conocer la envergadura de artista ante el que estamos presentes. Diez canciones excelentes, con picos altísimos como "Hallelujah" de Leonard Cohen, ponen los pelos de punta. La extraordinaria "Lover, You Should've Come Over" expresa todo el potencial de Jeff, y desnuda su tortuosa alma a límites que producen escalofríos.

Quizás para el músico, el espíritu de Tim Buckley deambula por "Grace", y por momentos esos desgarrados gritos de "Starsailor" pueden oírse en el disco.

Sin dudas, uno de los 10 mejores discos de los 90's. Cuando él preparaba los demos de su 2do álbum, en un confuso episodio jamás esclarecido, se ahogó en el Río "Wolf River" en Memphis (Tennessee) a principios de 1997.

El final de la corta historia había llegado, la discográfica editó varios discos póstumos, se dieron a conocer esos demos y otras sesiones en vivo, pero "Grace" es la verdadera e inapelable esencia del mejor Jeff Buckley.

GOODSPEED YOU! BLACK EMPEROR - Lift Your Skinny Fists Like Antennas to Heaven

La innovadora propuesta que significó el Post-Rock en la década de los 90’s tuvo desde sus comienzos un piso muy alto. Conceptualmente las bandas enroladas en este movimiento perseguían una visión que fuera más allá de las fronteras de la canción pop y los lugares comunes en el Rock.

Partiendo de esta base, los grupos que asumieran esta forma compositiva, en mayor o en menor medida, aportarían desde su nobleza un gran compromiso con su propuesta y con la experimentación sonora.

En los últimos años del siglo XX, Godspeed You! Black Emperor junto a Sigur Rós, se transformarían en los más emblemáticos ejemplos de un estilo que sigue creciendo, renovándose, y aportando una “Alternativa” más al mainstream del Rock.

Concebido conceptualmente como una sinfonía, el disco recorre cuatro movimientos cautivantes y misteriosos que despiertan la imaginación, y te trasladan por lugares oscuros en algunos momentos, y cristalinos y luminosos en otros.

Cada uno de esos cuatro movimientos, (Storm, Static, Sleep y Antennas to Heaven), no decaen en belleza y cautivación nunca. Quizá esa es la principal razón por la cual es uno de los discos de Post-Rock que mayor aceptación tienen entre los fans del estilo.

Un formato doble que puede resultar sumamente placentero para amantes de estos sonidos, pero una auténtica “tortura” interminable para oídos no habituados.

Épico como muy pocos, con crescendos orquestales emocionantes, texturas sonoras y guitarras lindando entre el “Noise” y el “Shoegaze”, algunos samples decorativos y un talento individual y colectivo indiscutible, hacen de Lift Your Skinny Fists Like Antennas to Heaven la quinta esencia del lirismo en el Post-Rock. Nada más ni nada menos que eso.

AUTECHRE - LP5

A principios de los 90’s, los productores más prominentes e inquietos empezaron a pensar un nuevo concepto para la música electrónica. Esta centró los parámetros para su construcción sonora de una manera que los alejara de las pistas de baile, y los acercara hacia áreas más experimentales y orientadas a oyentes que buscaban escuchar esa música, más que rendirse a los “Beats” regulares del dance.

Esta modalidad surgida y sostenida hasta estos días desde el más “underground” de los escenarios pensados, se constituyo en la variante más creativa de los últimos años, y junto a otras expresiones que buscaban el mismo patrón, fueron etiquetadas por los medios especializados como un estilo dentro del género “Electronic Music” llamado Electronica.

Autechre fue, y es, uno de los exponentes más prestigiosos de esta visión conceptual de la música. Poseen una discografía casi sin altibajos, y de un nivel superlativo dentro de la escena electrónica mundial.

En lo personal, creo que LP5 es su más creativa e inteligente producción. Definitivamente mi disco favorito del dúo Ingles. En el album conviven peligrosamente una mixtura de sonidos y efectos manipulados digitalmente que generan una sensación de “caos organizado”, a base de “breaks”, "robóticos efectos", "clicks" y "samples" retorcidos.

LP5 es un coctel orgánico que estimula tus sentidos, te proyecta hacia un lugar donde nunca imaginaste estar, te mantiene atento y despierto a la espera de sorpresas, te las da, te las saca … y te las vuelve a dar.

De sencilla y adictiva digestión para conocedores de la escena. Pero un plato que debe saborearse lenta y espaciadamente hasta descubrir su verdadero sabor para oídos no familiarizados con estos experimentos.

Autechre, una vez más, con otra pieza majestuosa de vanguardia electrónica para amantes del Techno y de esa formula a la que llamaron “Techno Inteligente” o IDM. Altamente recomendable.

SIGUR RÓS - ( )

Luego de un debut poco digerible para las masas como Von, y su obra maestra Ágætis byrjun de por medio, Sigur Rós presenta en 2002 un disco extraño desde su concepción estética y muy singular desde su sonido.

Conocido por sus fans como el disco de los “Paréntesis”, 8 canciones sin título alguno y toda la melancolía y el uso de un extraño idioma sin significado literal, crean alrededor de ( ) un alo misterioso y atrapánte.

El disco transmite sensaciones y juega con tu imaginación desde el comienzo hasta el final. La épica intensidad sonora de las canciones parece explotar en todo momento, pero te deja levitando en el aire y esperando ese climax que nunca llega.

Una brillante melodía hace las veces de hilo conductor durante la primera mitad del album, y quedara grabada en tu mente por semanas. Finalizando el cuarto tema, 30 segundos dividen el disco en dos partes claramente diferenciadas.

Para esta segunda mitad, la melancolía se apodera totalmente de ( ), y comienza una delgada línea que separa a los adoradores del disco, de los que realmente logran aburrirse mucho.

Como gran parte de las producciones Post-Rock, Sigur Rós transita un conceptualismo sonoro claro, que partiendo de la relajación, gradualmente te lleva a terrenos épicos y emocionantes para rozar el extremo sobre el final.

Sensaciones y más sensaciones, ese es el secreto de Sigur Rós, y pocos como ellos saben hacerlo.

70 minutos de dulce Post-Rock. Particularmente creo que la búsqueda fue bien lograda y meritoria, pero esta banda a tenido picos creativos tan altos y geniales que me resulta imposible no admitir que Ágætis byrjun y Takk... están unos escalones por encima.

Como todas las grandes bandas de la historia, el piso artístico de Sigur Rós es muy alto … y ( ) esta por encima de el. Disfrútalo y hace volar tus sentidos!

MAHAVISHNU ORCHESTRA - The Inner Mounting Flame

Surgido de la vena más Jazzística del Rhythm & Blues Ingles, y tras un fugaz paso por The Graham Bond Organisation, el guitarrista John McLaughlin desembarca en América para grabar con The Tony Williams Lifetime el album Emergency!, una de las piedras fundamentales de lo que la prensa llamaría en los 70’s Jazz Fusion.

El guitarrista sería eje fundamental en la evolución primaria de ese estilo que fusionaba la energía exacerbada del Rock, con el concepto de improvisación del Jazz.

Su siguiente paso, fue nada más y nada menos que la participación en las sesiones comandadas por Miles Davis que dieron origen a 2 joyas del estilo, In a Silent Way y el seminal Bitches Brew.

Estos tres albumes que involucran directamente a John McLaughlin, son los que definirían los conceptos y la estética del estilo, pero cuando el guitarrista funda su propia banda, Mahavishnu Orchestra en 1970, encuentra su más emblemática y representativa obra. Nada menos que The Inner Mounting Flame.

A mi criterio, la pieza definitiva de Jazz Fusion. En ella esta perfectamente graficada la mixtura de esos ingredientes que lo nutren. Nunca un disco del estilo había sonado tan poderoso, tan rockero y abrumador hasta ese Agosto de 1971.

Puedo imaginar estupefactos a los grandes guitarristas de la época escuchando la bestialidad con la que McLaughlin toca su guitarra y la potencia de su banda. Realmente asombroso!

Virtuosismo a la orden del día. El Panameño Billy Cobham en batería, el Irlandes Rick Laird en el bajo, el Checo Jan Hammer en teclados y sintetizadores, y el Norteamericano Jerry Goodman en violín ponen un marco inmejorable a la visión de John McLaughlin sobre como debía sonar un auténtico disco de eso a lo que el propio sello disquero, Columbia Records llamó Jazz Fusion como estrategia comercial.

No soy un gran admirador de McLaughlin ni de la “Fusión”, normalmente suelen aburrirme bastante el 90% de los discos del estilo, pero te aseguro que The Inner Mounting Flame volara tu cabeza, es brutal!.

KEITH JARRETT - The Survivor's Suite

Un de los discos más eclécticos y geniales que conoce el Jazz. Keith Jarrett no es solo un virtuoso del piano y de la improvisación, es un virtuoso de la música, un auténtico genio.

Esa capacidad superior para crear ideas e improvisar con una fluidez asombrosa, son algunas de las cosas que hicieron de Jarrett el piano mayor de los 70’s. Solo Hancock por momentos se le acerco, pero nunca lo suficiente.

Tras un celebrado paso por la banda de Charles Lloyd, el más eléctrico Miles Davis, y el inicio de su carrera como líder para Atlantic Records, Columbia Records y su suprema obra para la casa Impulse!, Keith Jarrett continuaría una brillante y cada vez más sofisticada producción musical, esta vez para el emblemático sello alemán ECM Records.

Desde esa plataforma vería la luz una de sus más inspiradas y geniales obras, The Survivors' Suite. Un album que trasciende las fronteras del Jazz e introduce influencias folclóricas africanas, música clásica, y mucha experimentación sonora partiendo de improvisaciones libres que interactúan durante los 48 minutos que dura esta fantástica creación.

El disco, básicamente esta compuesto por una obra en forma de “Suite” dividida en dos partes. Keith Jarrett muestra un talento creativo en el piano inalcanzable, sublime. Se complementa no solo con su ya conocida técnica inmaculada, sino con un trío de “Elite” en el mundo del jazz. El saxo tenor Dewey Redman, Charlie Haden en contrabajo y Paul Motian en batería.

Experiencia, linaje, años acompañando a artistas de la talla de Ornette Coleman o Bill Evans hablan por si solo. Tres estrellas del Jazz unidas y coordinadas por una de las mentes más brillantes y talentosas de la historia. El margen de error era escaso, y Keith Jarrett lo transformó en nulo.

Discos como estos son los que hacen que algunas cosas se vean tan pequeñas y ordinarias a veces. Arte de pies a cabeza, sin grietas, sin rellenos. The Survivors' Suite.

JIMI HENDRIX - Are You Experienced?

Por sus venas corre el Blues, por su cabeza talento en estado puro, siempre quiso ser único, y lo logró. Influyo y deslumbro a los más grandes, puso en ridículo a los guitarristas de su generación.

El mejor disco debut de todos los tiempos, el fuego eléctrico que jamás se apagará. Once standards del Rock que escucharemos por los siglos de los siglos, un antes y un después en la guitarra, un antes y un después en el Rock.

Quizás el disco que más veces escuche en mi vida, ese disco que se transmite de generación en generación como los grandes clásicos, los inmortales.

De Are You Experienced? a Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, solo pasaron 19 días, y fueron los más importantes de la Historia del Rock.

Electricidad, fuego, explosión, talento, sangre, virtuosismo, ácido lisérgico, un hombre, una Stratocaster, un Marshall. Todo cambió para siempre.

Si Are You Experienced? no está en tu discoteca, nada de esto tiene sentido!!!!

JOHN COLTRANE - Blue Train

Después de su experiencia con los Blues de la mano de Eddie Vinson y el Hard Bop puro del quinteto de Miles Davis, su paso como sideman de Thelonious Monk perfecciono su estilo notablemente, y aprendió los trucos para hacer sonar 2 notas al mismo tiempo con su Tenor.

La hora de que como líder hiciera su primer gran álbum habia llegado. En medio de sus producciones para la casa “Prestige” y poco antes de su etapa en “Atlantic”, “Blue Note Records” se despacharía con una producción 100% de la casa. Un quinteto de Elite con sus artistas más notables y en su mejor momento.

Creo que Blue Train es la obra Hard Bop por excelencia. La evolución del Be Bop de post guerra, con el sonido de los 50's. Menos estridente, mas relajada, pero manteniendo la esencia de las doctrinas de Charlie Parker.

Coltrane subiendo lentamente a ese lugar donde solo unos pocos lograron llegar, el olimpo de los gigantes del Jazz.

Fraseo soberbio, un sonido profundo, y una técnica impecable que solo era igualada en esas épocas por su contemporáneo Sonny Rollins.

El Staff Blue Note? ... Casi nada. Lee Morgan en la trompeta, furioso, impecable, 100x100 bopero, de los 3 mejores de su época junto a Donald Byrd y el malogrado Clifford Brown.

Curtis Fuller en el trombón a varas, heredero del estilo que J.J Johnson impuso en los 40's y que jamás fue superado por nadie. Swingear a esas velocidades con el sonido limpio de un Trombón fraseando be bop era un sueño que ellos hicieron realidad.

El piano esta a cargo de Kenny Drew, creo que con gran atino por parte de Coltrane, o del productor del sello, recurrieron a un pianista que lejos está de ser un velocista en la línea de Bud Powell. El moreno recurre simple y sencillamente a las notas justas, con fraseos originales y con un swing arrollador, es el toque de distinción de la banda. Quizás un pianista más técnico hubiera sonado ostentoso para el disco.

La sección rítmica esta a cargo de Paul Chambers, la máxima categoria en las 4 cuerdas del contrabajo, además un viejo conocido de Coltrane de aquel quinteto de Miles Davis. Años después John lo homenajearía en su clásico blues, “Mr. PC”. Philly Joe Jones, es el que marca los beats en la bateria, una leyenda.

Hard Bop insuperable, el primer gran disco de John Coltrane, y el mejor registro de su primera etapa. Un clásico infaltable.

DEPECHE MODE Black Celebration

El comienzo de una nueva década trajo aparejado cambios sustanciales en el sonido de las bandas, el punk fue un quiebre, y dio paso a toda una generación de jóvenes que no comulgaban con los sonidos del rock progresivo de los 70's, y mucho menos aún con el A.O.R que inundaba las FM.

La era digital estaba en marcha, ya Trevor Horn había mostrado las innumerables posibilidades de la nueva tecnología con su banda “Buggles”, y más adelante con la influyente “The Art Of Noise”, ahora los sintetizadores estaban al alcance de los chicos de barrio.

Estos dejaron de ser propiedad exclusiva de las grandes disqueras, lo que dio paso a una legión de grupos que empezaban a sonar.

La nueva ola trajo diferentes corrientes de sonido, los sintetizadores tenían el papel principal y marcarían el rumbo de los 80's de manera inobjetable. En este contexto, la irrupción de Depeche Mode no fue llamativa, todas sonaban muy similares, y las ideas se transformaban en experimentos con los nuevos juguetes digitales, el éxito comercial de los “New Romantics” produjo un efecto tan contagioso que bandas de alta calidad como “Ultravox” o “The Human League” se volcaron a la producción vacía y mediocre, más cercana a “Duran Duran” que a un grupo con aspiraciones artísticas serias y comprometidas.

Los Depeche fueron la oveja negra del rebaño, disco a disco fueron creando un concepto y una mística que fusionaba lo Dark con lo Industrial, el Tecno más y mejor elaborado de la época, y un conceptualismo en sus discos que los llevaría a ser una banda de culto. Paradójicamente desde su 6to disco “Music For The Mases”, tambien una de las bandas que más fans tenian en el planeta.

“Black Celebration” es su salto de calidad, el disco que los deposito a millones de años luz de los grupos de su camada. Voces trabajadas finamente entre Gore y Gahan, creatividad sonora, climas oscuros, pizcas industriales filtradas entre melodías excelentemente logradas. Una mezcla demasiado buena para tener competidores.

Este disco marca el nivel de excelencia que sostendrían durante mas de 20 años, y que ejercería una influencia seminal en las generaciones venideras, sobretodo posteriormente al citado “Music for the Masses”, disco que haría el Crossover de la banda hacia el mercado Americano. Sin dudas mi disco favorito, aunque el citado “Music For ....” “Violator” y “Songs of faith & devotion” se le acercan mucho.

El Tecno Pop de los 80's les pertenece, y salvando a “New Order”, diría que a millares de años de distancia. Un disco infaltable en discotecas de tipos que gusten de la buena música, más allá de los estilos. Este estilo se llama Depeche Mode, ellos lo crearon!.

MILES DAVIS - On The Corner

Estas sesiones de fines de 1971 son otro punto más de quiebre en la ecléctica e innovadora discografía del gran Miles. Sus inicios datan del corazón mismo de aquella revolución estilística llamada Bebop, que junto con las grabaciónes del Louis Armstrong Hot Seven del 27' y los primeros discos de Ornette Coleman y Don Cherry, representan los giros más trascendentales e influyentes de la historia del Jazz.

El bueno de Miles condujo los inicios del "Cool Jazz" con las historicas sesiones Capitol del 49', fueron junto a Art Blakey's Jazz Messengers los principales exponentes del Hard Bop en los 50's con ese fantástico quinteto que incluía entre otros a John Coltrane nada menos.

Incursiono en el arte de tocar los Standards con conjunto de cuerdas simulando una suite, de la mano de Gil Evans. Dos años después invento literalmente las estructuras Modales con su celebrado "Kind Of Blue", formo el mejor grupo de su vida en los 60's con Wayne Shorter, Herbie Hancock, Ron Carter y Tony Williams. Con este, coqueteo con la vanguardia del Free Jazz que signara la década, pero sobre las estructuras Modales que él mismo había diseñado.

Fue pionero en la conexión entre el Rock eléctrico y el Jazz en eso que dio en llamarse "Fusión Jazz Rock" cuando terminaba la década. El Filmore East (templo del rock) fue participe de la presentación por primera vez de un músico de Jazz sobre su escenario .... en fin.

A esta altura cualquier grupo/persona podría sentirse un dotado, afortunado y tocado por alguna varita mágica que lo colocó entre los talentos más grandes que el Arte vio nacer, pero Miles siempre tiene algo más que entregar, es como una esponja que absorbe todo lo que lo rodea para capitalizarlo a su manera, con su impronta y particular visión. Para Miles Davis no todo era el Jazz. En la entrada de una nueva década, busco la inspiración por otros andenes, el supremo del Funk, James Brown, había calado hondo en sus gustos y le obligó a replantearse su camino. Necesito de una banda del sonido de California de finales de los 60's para encontrar los ribetes justos para su expresión y no caer totalmente en el purismo del Funk de Brown. Esta musa formo parte de aquella movida de la California "Acida" que antecedió e influyo notablemente al Rock Progresivo de King Crimson o EL&P por ejemplo, y de la exacerbación de los Blues Psycodélicos que los gigantes como Led Zeppelin y Deep Purple transformaron en Hard Rock y Heavy Metal.

La línea negra de ese sonido Californiano, orientada hacia el Funk y el Soul, fue comandada por Sly Stone, y deban en llamarse “Sly & The Family Stone”. Ellos fueron el espejo donde Miles Davis, junto a Jack DeJohnette en bateria, John McLaughlin en guitarras, Corea y Hancock en pianos, teclados y sintetizadores, Don Alias en percusión entre otros tantos ..., experimentarían con el Jazz, el Rock Psicodélico, los estudios de Stockhausen que Miles hacia años llevaba recopilando, y mucho, pero mucho Funk!.


Un disco Hipnótico, con percusiones tribales, y con la característica notable de no poseer extensas improvisaciones típicas del jazz, estas son suplidas por un "Groove" arrollador que recorre todo el disco. El mismo Miles y el genial productor de Columbia, Teo Macero, buscaron estas cualidades como influjo primordial para el álbum. Macero inyecto muchas sobregrabaciónes (Overdubs), que lo hacen parecer más hipnótico y endiablado aún, un sonido ultra moderno que demostraba una vez más que cuando todos iban, …. Miles estaba volviendo!.

Quizás en las primeras escuchas pueda resultar algo extenso el disco, sobretodo si la Fusión no es un estilo recurrente en sus predilecciones, pero puedo asegurarles que mientras más pase el tiempo, más cosas encontraran inmersas en esa lluvia de sonidos, y con cada escucha, tendrán la sensación de que siempre es la primera vez que lo hacen.

"Vote For Miles" nadie se arrepentirá!

BOARDS OF CANADA - Music Has The Right To Children

Este celebrado debut del duo Escoces Boards of Canada es considerado hoy todo un clásico del IDM.

Como la forma más aconsejable para “entender la música electrónica” es … justamente “no tratar de hacerlo”, Music Has the Right to Children solo puede describirse con sensaciones.

Tanto el IDM, como todas las variantes de la música experimental construida con Sintetizadores/Softwares, han apuntado a generar en el oyente extrañas percepciones y esotéricos climas difícilmente explicables con palabras. Los hermanos Sandison hicieron escuela de este concepto, y en su debut para el emblemático sello Warp Records, su obra maestra.

El disco es un viaje seudo psicodélico, ambiental y etéreo que te llevará a diferentes lugares, evocara tu nostalgia, te relajará hasta sentir que flotas en medio de un bosque frondoso y soñado. A la altura de las mejores producciones de los popes del estilo, (Aphex Twin - Autechre - The Future Sound of London), Music Has the Right to Children hace gala de la manipulación sonora, los samples y los Fields Recordings.

IDM en estado puro, con todos los condimentos que lo constituyen. Lapsos de Ambient Techno, y una herencia del Krautrock subliminalmente presente.

La música electrónica nació de experimentos, se adaptó a las estructuras de la canción Pop en los 80’s, y se desestructuro y nos hizo bailar en los 90’s.

Bandas como Boards of Canada nos muestran la faceta más intimista del género, música para escuchar, ausencia de armonías y melodías … “techno inteligente”. ¿? Así le llaman!.

Un terreno de fácil acceso técnicamente, Solo un clic!. Pero conceptualmente de difícil digestión si la Electronica no está entre tus predilecciones.

BLUE CHEER - Vincebus Eruptum

Tomaron su nombre de la marca con la que Owsley Stanley comercializaba el LSD, son uno de los emblemas de la San Francisco ácida de finales de los 60’s. California era la capital mundial de la música, y San Francisco su plaza central, todos querían estar allí, … y ellos eran de allí.

Este trío de largas melenas rubias representaron la antesala, la conexión, entre la exacerbación del Blues que Cream y Jimi Hendrix habían patentado, y la definitiva acta de nacimiento del Rock Duro. < Deep Purple in Rock>, <Led Zeppelin> y <Black Sabbath>.

Esta, la vertiente más pesada del sonido de San Francisco, fue influida notablemente por Cream y Hendrix, pero el abrumador trío ensucio aún más la distorsión, y su utilización de los sonidos graves por encima de todos los demás en la mezcla del disco, transforman a Vincebus Eruptum en lo que para muchos es el primer álbum de "Rock Pesado" de la historia.

Nadie había visto jamás sacudir tan largas melenas, Dickie Peterson en voz y bajo, Leigh Stephens en la guitarra, y Paul Whaley en batería lograrían con este, su álbum debut, un éxito considerable con el tema que abre el disco. Su versión de “Summertime Blues” de Eddie Cochran estalló como una bomba en las cabezas de los liberales pacifistas americanos. El grupo representaba toda la “locura” y el maravilloso “descontrol” que se vivía en las calles de San Francisco.

Jamás tuvieron un numero 1, y como todas las demás bandas de finales de los 60’s, fueron eclipsados por los monstruos supremos del Rock, Black Sabbath, Deep Purple, Led Zeppelin, pero este disco en particular fue altamente influyente en su época.

“Doctor Please” y “Second Time Around”, el último track de la edición original en vinilo, son la más cabal muestra de que Blue Cheer no fue una banda más que paso por el firmamento del Rock, ejercieron desde sus adrenalínicos embates rockeros una forma de expresión dura y cruda que perduraría por siempre.

Algo olvidados con el paso de los años, y lejos del majestuoso talento de Page/Plant, Osbourne/Iommi o Blackmore/Gillan, Vincebus Eruptum es un excelente y emblemático disco de los 60’s.

65DAYSOFSTATIC - The Fall Of Math

El rock se sigue nutriendo cada vez con más fuerza de la música electrónica, 65daysofstatic representa una parte de esa tercera ola de bandas “Post-Rock” surgidas a principios del siglo XXI que expanden los conceptos del estilo fusionando las estructuras típicas de esa movida musical con estéticas tomadas de la electrónica.

The Fall of Math editado a finales de 2004, resume toda la potencia y la esencia del Post-Rock. Utilización de instrumentos convencionales, ritmos, armonías, melodías, timbres y progresiones armónicas típicas del estilo, pero esta vez contextualizados en un marco más amplio y moderno.

El cuarteto de Sheffield compuesto por Paul Wolinski, Joe Shrewsbury, Rob Jones y Simon Wright emula, casi a destajo, los “Breaks” acelerados y distorsionados que patento Aphex Twin en los 90’s para construir un sonido poderoso, épico y salvaje que le da un toque de excelencia a este brillante debut discográfico.

Esos “Breaks”, que en música electrónica son conocidos como Drill and Bass, se entremezclan con los golpes del baterista perfecta y armónicamente, dando como resultado una simbiosis entre lo sanguíneo y lo digital absolutamente contundente.

Si bien esta fusión es la marca distintiva del disco, la más resaltante, las 11 canciones que contiene el album transitan por caminos bastante predecibles dentro del Post-Rock con sutiles detalles y microsonidos digitales colocados entre las sólidas bases de la banda.

Un disco muy interesante, y que aporta algo más a un estilo ya maduro y consolidado dentro del Rock. Ya han pasado algo más de 15 años desde aquellas primeras grabaciones de Tortoise, y todo lo que aporte sonoridades no escuchadas antes, seguramente harán que el Post-Rock goce de buena salud.

En la actualidad sellos directamente relacionados a la electrónica de vanguardia como 12k, tiene en su catálogo artistas de Post-Rock, y dan su mirada desde lo digital para nutrirse del Rock. Amplifier Machine con su Her Mouth is an Outlaw son un claro ejemplo.

The Fall of Math volará literalmente tu cabeza. Una joya en estado puro, un debut inmejorable al cual recomiendo sin dudar un instante. Un disco que demuestra una vez más, que para expresar sentimientos, sensaciones y calar hondo en tus sentidos .... a veces no hacen falta las palabras.

KRAFTWERK - Die Mensch-Maschine

Que difícil se hace explicar las sensaciones tan dispares que provocan estos Alemanes. Puedes amarlos eternamente, u odiarlos descaradamente.

Esta antinomia del pensamiento no recae de casualidad sobre Kraftwerk. Ellos siempre lo buscaron o lo indujeron desde su arte.

Ser "complacientes", buscar la "aprobación", parecen ser 2 palabras inexistentes en su diccionario, ese que ellos crearon. Acratas, provocadores, contestatarios, innovadores, esas parecen ser las palabras que mejor le sientan a este grupo Germano que cambio los parámetros del rock, de la estética y del sonido para siempre.

La gran convulsión Político/Social de los 60's, la búsqueda denodada de las libertades individuales, la paz, las sangrientas luchas en las calles de las principales capitales del mundo, y el corolario del Mayo Frances fueron el contexto desde donde emergió a la superficie la ideología, el fundamento, el sonido y la estética del Krautrock.

Paradójicamente, esta banda de "choque" emblemática del Krautrock, con un contenido ideológico y político tan marcado, fue la principal influencia de la “Era hedonista” del Rock. En los 80's, la gente resumió que desde el Rock no se podía cambiar el mundo, y dejo paso al entretenimiento como concepto básico de la música.

Ellos fueron la influencia más poderosa y notoria. Una influencia que décadas atrás solo habían logrado Elvis y los Beatles, cuando literalmente, pusieron al mundo patas para arriba y cambiaron los parámetros Socioculturales.

En los albores del Rock Progresivo, de las fusiones en búsqueda de no caer en los lugares comunes archi repetidos del Rock, ellos fueron los más progres de todos. No solo desarticularon al Rock desde sus preceptos más arraigados y sólidos, sino que fueron aún más allá. Ni siquiera necesitaron para lograrlo instrumentos convencionales.

Ellos crearon sus propias reglas y las ejecutaron.

El Hombre Máquina, de 1978, resume sus ya 8 años de carrera con puntos muy altos como “Autobahn” de 1974, y bajan líneas sobre la desarrollada revolución Industrial que puso en evidencia el reemplazo del Hombre por las Máquinas. La utilización de instrumentos convencionales por el sonido sintético, mecanizado e hipnotizante.

Les suena familiar a la cultura “Rave” y a la “Era de los DJ's?” ... Si si, ellos inventaron eso. Exploraron el "Ambient Music" que muchos adjudican a Brian Eno, el sonido "Industrial" que otro tanto adjudica a Cabaret Voltaire, y al mismísimo "Tecno" de Detroit y "House" de Chicago. Kraftwerk fue la semilla que sirvió de cultivo para todas estas expresiones.

Un disco bastante difícil de escuchar para oídos acostumbrados al Mainstream, pero que es altamente recomendable para experimentar nuevos paisajes y sensaciones con la música.

Quizás el último gran album de Kraftwerk, sus dos predecesores de los 80's los encontrarían más cercanos al “Dance” o al “Synth pop”, y a su mejor etapa en términos comerciales …, pero la Máquina Provocadora de los 70's ya había pedido fuerzas, y solo les quedaba recoger los elogios, el prestigio y los frutos sembrados durante más de 10 años volteando todos los tabúes que cambiaron a la música para siempre.

Es inverosímil pensar en el “Rock” sin los Beatles, en el “Rn'B” sin James Brown, en una guitarra eléctrica sin Jimi Hendrix ... Estos hombrecitos robóticos accedieron a ese olimpo donde solo los más grandes pudieron llegar, y bien merecido se lo tienen!.